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Music inspired by The Life and Times of Scrooge McDuck

Well, it’s strange. It’s the second time I find myself in need to talk about music, and I haven’t written about music since… well, since that Amanda Palmer thing in 2012, but it actually involved a graphic novel by Neil Gaiman, so I’m not sure it even qualifies.
Maybe this doesn’t qualify either, since it’s music inspired by a graphic novel.
Sort of.

I remember it as if it was yesterday.
My papa took me to see the ancestral home of our clan.
The desolate castle on Dismal Downs, abandoned since the 17th Century,
now inhabited by no-one but golden eagles in its turrets and
ptarmigan &  grouse in the heather o’the clan cemetery.
In this sight of former glody, of ochre grass and bracken,
sadness and hope, this is where I begin my story.
Rannoch moor, 1877, the eve of my 10th birtday…

Stupiti, as Guccini would say. Vi vedo stupiti. What do you mean… papa? Well, yes. If you are wondering, you probably aren’t familiar with the Life and Work of Don Rosa (who, I’d like to repeat it once again, is not a priest).
As we all know, partially thanks to Claudio Bisio, ducks don’t have fathers nor mothers. Nobody has kids. There are no brothers nor sisters (except for Huey, Dewey and Louie, but they are more like clones). The only exception seems to be Grandma Duck, who can’t really be anybody’s grandmother since she doesn’t happen to have any kids, so… there you go, you get headache just trying to figure it out, leave alone trying to explain it.
In this enormous, titanic mess created by the equally titanic strife not to cope with freudian issues, there stood a man and He stood tall. His name was Carl Barks. But we are not here to talk about him: we’re here to talk about the man who has been said to be hos heir. His name is Keno Don Hugo Rosa y Chico y Gonzales y Mendoza, better known as Don Rosa because comic books were small and his full name just didn’t fit on the covers. He looks a little bit like Doc McBrown. And he must have been positively insane when, back in 1993, he took Carl Barks legacy and made an updated version of the Donald Duck Family Tree. Yes. I said Donald Duck and family. In the very same sentence. From that diagram, we can even learn that Donald Duck wasn’t born before his egg and actually has a mother, some Hortense McDuck. We learn that Grandma Duck actually is a grandmother, and she is not uncle Scrooge’s sister (so he actually does have a reason to call her “grandma” like everybody else).
But I digress.
The main point is that yes, in order to undertake this journey with Don Rosa, you have to take back a little bit of that disbelief you suspended when you accepted that ducks were just uncles and nephews with each other.
And it’s not going to be like Don Rosa won’t make use of cognitive estrangement (it’s still Disney, after all): bizarre things will happen and we will have to accept them, but meaningful things will be built as well. We will even learn what inspired a Finnish symphonic metal composer to write a concept album based on Scrooge McDuck’s extraordinary adventures.

Music inspired by ‘The Life and Times of Scrooge McDuck’ by Tuomas Holopainen

Maybe you are familiar with Nightwish. Maybe you like them. Maybe you don’t. Personally, I am not overly fond of them: I find them palatable at best, with occasionally nice intellectual contamination when it comes to lyrics. But this will probably be the subject of another post. The point here is that I am not a fan of the band. And since I am not particularly competent when it comes to music, I had no idea that the author of this concept album was linked to Nightwish or, as someone would say, that he was the very mind and soul behind that Finnish band. I just knew he was a Finnish composer with a metal background and I was told that this work was interesting. So I started listening.

Glasgow 1877

The first track takes us back to what originally was the first story of the grand epic that is The Life and Times of Scrooge: The Last of the Clan McDuck, written in 1994 and set in Scotland between 1877 and 1880. Scrooge is a child from a poor family and cleans shoes in the streets. And we are greeted by the voice of old Scrooge himself (Alan Reid, Scottish as Scottish can be), starting his tale in words that stick very close to the original comic book, down to quoting it literally when it comes to describing Clan McDuck old manor.

I remember it as if it was yesterday.
My papa took me to see the ancestral home of our clan.
The desolate castle on Dismal Downs, abandoned since the 17th century,
Now inhabited by no-one but golden eagles in its turrets and
Ptarmigan & grouse in the heather o’ the clan cemetery.
In this sight of former glory, of ochre grass and bracken,
Sadness and hope, this is where I begin my story.
Rannoch moor, 1877, the eve of my 10th birthday…

The mood is evocative as if with an ancient fragrance, expecially when vocalist Johanna Iivanainen steps in, partially overlapping old Scrooge, singing as his mother Downy O’DrakeTha ‘n sgeul ag aiseig bu bràth / Toirt taic bho tiotain a tha gar deanamh mar a tha sinn.

Howls on the moor
Dreams of sailing all seas
Call of the hills
And a fiddle of farewell

Young scrooge is dreaming of sailing away, literally while the fiddle of farewell plays on top of a harp.
It is the very first story, ideally, where Scrooge earns his infamous first dime and vows never to be cheated again. Ambitious, hard working and proud, he hunts his family’s legend: one of his ancestors, determined not to be robbed of his fortune just as Scrooge seems to be determined to earn one, once sealed his treasure into the old McDuck manor, accidentally sealing himself away with it (and this will be extremely important as a symbol of what old Scrooge risks himself, as we progress with the story). Young Scrooge explores the castle, but he doesn’t find the treasure. What he uncoveres instead is a frode of his family’s old nemesis, The Whiskervilles, who tricked the people into believing the castle was haunted. He also finds determination to make his own fortune, much to the satisfaction of the real McDuck ghost, disguised as an ordinary duck. Scrooge decides to go to America to earn his fortune. That’s the birth of a legend.

Life&TimesofSMcD_Issue03_coverInto the West

Far, far into the night
Your calling guided you
Far, far across the dark
Horizon filled with red
And yearning of a childless ma.

Adventure and nostalgia kick in, in this second track. We have the farewell to Scotland, again with Johanna Iivanainen as Downy. We have the sound of a cowboy campfire, as

We are in Scrooge’s western period (The Master of the MississippiThe Buckaroo of the BadlandsThe Cowboy Captain of the Cutty SarkRaider of the Copper Hill) when he seeks fortune as a cowboy between Montana, Mississipi and the Dutch East Indies, he meets Blackheart Beagle (father of the Beagle bandits) and Theodore Roosevelt, he tries his hand at different business and trades, by earth and sea. That’s the Scrooge we will know. But he is not the World’s Richest Duck yet.

Duel and Cloudscapes

Words are not the predominant part of this album, and many tracks are instrumental. Duel and Cloudscapes is one of them and, as the first track, it’s not inspired by a period of Scrooge’s life but by a single episode, a single story. The New Laird of Castle McDuck takes place in 1885 when Scrooge has become rich after selling his mine, and comes back home only to find it usurped by the infamous The Whiskervilles. As Odysseus, he has to reclaim it and he does so in an epic duel on the crenellated battlements of Castle McDuck, again with the aid of Sir Quackly McDuck, his ancestor. Again the advice coming from this old ghost gets Scrooge into trouble: there’s a terrific storm and he falls into the moat, where he is hit by lighting and dies. In McDuck Heaven, his forefathers are playing golf on the clouds and decide to grant him another chance at life. Reviving in the moat, young Scrooge is drowning because of the heavy plate armour and he uses his first dime to unscrew its bolts. Victorious at last, he has to spend all his freshly earned money in order to save Castle McDuck but he will try his hand again at becoming rich, and nobody will be able to stop him this time.

Duel and Cloudscapes is about these feelings. There’s adventure and action above everything, cape et épée, and a touch of comedy when we find ourselves playing golf above the clouds. There’s Dismal downs. There are a father and a son, and a rainbow painted with a triumphant chorus.

McDuck_Castle

Dreamtime

Knight and cowboy, shoe shiner and treasure hunter, sea captain and adventurer. Scrooge has led many lives and seen many places, always in search of gold. And when he is done with the old West, it’s not America he returns. Dreamtime refers to the time Scrooge spends in Australia during Dreamtime Duck of the Never-Never, after briefly visiting South Africa where he first meets his nemesis-to-be, Flintheart Glomgold, and goes straight to the core of the story: the didgeridoo. You can’t have a story about Scrooge and Australia without mentioning the didgeridoo. Or John Philip Sousa. He is important as well. And Holopainen doesn’t renounce any of them, quoting the latter and makng extensive use of the first in this oniric track in which it is well reflected the original atmosphere or acid-driven visions

It tells of Kakadu the dingo, he steals the crocodile egg from its nest!
But the great platypus chases Kakadu…
…and Irria, the black cockatoo, sends Bunyip, the water monster, after the egg thief!
Bunyip chases the dingo…
…and the great platypus finds the sacred egg, but loses his firstborn in the fight!

Scrooge finds and returns a giant opal, looses and retrieves his first dime, and is allowed to “see his dream through the crystal eye”. He sees the northern lights of Klondike, at last, and wanders off happily. While he disappears whistling over the horizon, his guide looks into the glass himself and sees Donald, Huey, Dewey and Louie. They are Scrooge’s second layer of dream, although he doesn’t know yet.

tumblr_mk93uh6o6T1qhkjt9o3_400Cold Heart of the Klondike

There we are. It’s 1896, Klondike Gold Rush, and Scrooge is at the very heart of it. The notes of a lost love start to insinuate in the adventurous and epic melodies.

Charm of a dancehall girl
A true star of the north
Those precious 30 days.
A letter in the snow
Love lost yet always there
A burning need of life.

Who’s this? Glittering Goldie O’Gilt. Scrooge’s lost love, never forgotten. The beautiful, strong willed, not-so-greedy-after-all and cunning Goldie. She’s the beating heart of this concept album, although we don’t get to hear “her” voice in this track, yet. Instead, the narrator is voiced by that Tony Kakko already known for Sonata Arctica and Northern Kings, and in spite of his reknown hybris I have to admit that he passionately gives voice to this particular track, smoothing its banalities and bringing focus over the struggle at the core of the story. It’s a story of pride (and prejudice). A story of regret and adventure, of cold and passion. And – needless to say – Still a Better Love Story than Twilight. By far.
Glittering Goldie is the hidden diva around whom this whole album revolves, and it’s unsurprising that Don Rosa chooses to draw her reflection in the moon, while sketching the cover of this album. As you might or might not know, you can learn if prople are fan of Don Rosa merely by asking them about Glittering Goldie and observe their reaction, although you might find yourself talking with a Duck Tales fan and… well, that’s where things get messy, since Goldie appears in the series in a much edulcorated Saint Valentine’s Day episode.

Chapter 08C - Hearts of the Yukon_coverLet’s just see what’s what.

The original inspiration for this story lies in a classic by Carl Barks, Back to the Klondike, where Scrooge returns to the Klondike only to find that his old spot in White Agony Creek is being usurped by a mysterious lady with a quite aggressive domesticated grizzly. This triggers a dive in Scrooge’s past, where we learn how he and Goldie originally met. It’s one of the most controversial stories Barks ever wrote, with people being drugged, bar fights and violence: Scrooge is robbed by Goldie and, as a result, he kidnaps her and forces her to dig up gold in order to repay him. In a pure mix of Stockholm syndrome and reverse manipulation, the two form a bond: Goldie plans on robbing him again while growing fond of Scrooge, while he is both suspicious and enthralled by the maliard lady. When lawmen Wyatt Earp and Bat Masterson, accompanied by Judge Roy Bean, arrive at White Agony Creek to rescue the girl, it turns out that she doesn’t want to be rescued at all (and by the way they all are historical characters: Roy Bean even has his own Life and Times). Their background is better told in Don Rosa’s masterpiece, The Prisoner of White Agony Creek, and its cover depicts this very moment, where Scrooge faces the lawmen. And in truth it doesn’t have anything to learn from famous comic books covers such as Bob Oksner‘s cover for Lois Lane #128 or John Byrne’s cover for Uncanny X-Men #137. He’s better than Tex Dawson, for sure, and sexier than Conan the Barbarian. She’s more alluring than Emma Frost, slyer than Catwoman.

Cold Heart of the Klondike is a track that explores one side of this story, with hints to Hearts Of The Yukon (specifically that letter lost in the snow). Musically, it’s one of my favourite. The chorus in the background fits perfectly the atmosphere, percussions are a little banal but then again, it’s Nightwish after all. The pace is good, in a good alternance between a romantic melancholy and a dramatic chase. It’s more “epic”, but in a way it’s less emotional than the following track: it explores their story as seen from the eyes of an ipothetical narrator, in contrast with the next track where the point of view is split between Goldie and Scrooge.

The Last Sled

If you are familiar with Don Rosa’s Life and Times of Scrooge Mcduck but not with its companion, you probably won’t know which sled this is, as The Last Sled to Dawson is a story that wasn’t originally included in the collection. It was published in Uncle Scrooge Adventures #5, out on June 1st 1988, and it tells yet another story of uncle Scrooge going back to Yukon in search of memories and, specifically, of a sled he had lost long before. Again, the track hits perfectly the melancholic atmosphere of the story, with Holopainen quoting Don Rosa, quoting Robert W. Service.

There’s Gold, and it’s haunting and haunting,
it’s luring me on as of old.
Yet it isn’t the gold that I’m wanting so much as just finding the gold.
It’s the great, big, broad land ‘way up
Yonder!
It’s the forest where silence as lease
It’s the beauty that thrills me with wonder.
It’s the stillness that fills me with peace.

(The Spell of the Yukon)

Again we find Alan Reid playing old Scrooge, as in track 1, whereas Glittering Goldie is played by Finnish vocalist Johanna Kurkela, also known for Sonata Arctica along with Tony Kakko.
And I have to admit that the song really is beautiful. Even if lyrics can get banal beyond embarassment, there’s a genuine passion behind it, a love for this story, strong enough to overcome all faults. And while Scrooge recalls his days of the gold hunt, Goldie sings on top of him, recalling their time in White Agony Creek, with “starlit sky and coffee & beans”. And a hint that Scrooge’s motto according to Don rosa, Fortuna Favet Fortibus, was in some way suggested by her. You might remember this and this.

Scrooge McDuck - Last sled to Dawson p12

The song chooses to focus exclusively on this, leaving out all the rest of the story (which has incredible adventures, a pig villain, balloons and iceberg rides). Indeed the treasure uncle Scrooge finds in his sled are his memories: his old coonskin cap and deerskin coat, his old coffee pot and skillet, his gold pan, pick and shovel. And, more important of all, a box of chocolates for Goldie: the reason he was returning. And chocolates are like memories: frozen in time, but still sweet.

Goodbye, Papa

Still, it’s not that time yet. Not in the album. We aren’t in the future looking back: we are still in that past, at a turning point of Scrooge’s life. He has lost Goldie. In The Billionaire of Dismal Downs, he returns to Scotland, he finds that he doesn’t have anything there and decides to go to America for good. His father Fergus McDuck stays behind, and passes away as his chidren ride away. It’s quite an unique page in the whole Duck history, as Don Rosa was the only one bold enough to write something like this. One of the most delicate death scenes in all history of comic books, probably.

15-1-1

15-2To be Rich

Upon arriving in Duckburg, the life of Scrooge McDuck starts his downfall. We see how Donald’s parents meet, and how the money bin gets built, but Scrooge is focused on becoming the richest duck in the world and sees nothing else. The Empire-Builder From Calisota sees him traveling the world in search for wealth, and he has become ruthless: his sisters Hortense and Matilda leave him, he even burns to the ground an African village. When he comes back, he is scornful and short-tempered. He alienates his family and receives a kick in the ass by his young nephew Donald, in one of the best pages of the whole Life and Times.

23-1

This track, mostly instrumental, follows the drama and loneliness of this dark period in Scrooge’s life, with Goldie’s ghost always lurking upon him.

Silent night, silent years
The cold heart haunting still
Sleepless watch of the night
And her face on the moon

A lifetime of Adventures

The following track is the natural answer to the previous, and has strong connections with the most important Scrooge story of all times, where he meets his nephew Donald and grand-nephews Huey, Dewey and Louie. The Richest Duck in the World is staged twenty years after Scrooge’s hunt for richness and sees an old, tired and grumpy Scrooge, much similar to his Dickensian counterpart. The sleigh-bells create the opening of this track as Christmas sets the stage for the story: it’s Christmas eve, and Scrooge has his nephew coming in for dinner. Everyone else who might remember him is dead. He doesn’t come out from his money bin anymore, and the people of Duckburgh don’t even remember there’s someone living inside that old, odd landmark on top of the hill. As many of Don Rosa’s stories, this story follows up closely on Carl Barks’ Christmas on Bear Mountain, published on December 1947, where Scrooge McDuck made his first appearance, and you just have to admire the beauty of the symmetry: Scrooge’s first story gets to be the last in The Life and Times and still it stays the first, as it’s the story where we learn how old Scrooge has recovered from his apathy and found again the will to live and have adventures. What is it to be rich? As he was saying, it’s not the gold so much as finding the gold. To be rich is to still remember, to treasure your first dime, to seek, to relive a memory. And, as uncle Scrooge tells Huey, Dewey and Louie when provocked into it, “the only limits to adventure are the limits of your imagination”. Therefore he returns the kick to Donald, he reopens the office, he gets back in business, because his greatest adventures are yet to come.
The music is soft as a discovery. Lyrics are whispered as if they were revealing a secret, and indeed they are. The secret of Scrooge McDuck’s true wealth.

2015-07-05 16_27_08-scans_daily _ Life and Times of Scrooge McDuck (2_2)

The Bonus Track album contains two versions of this track: the original one and a single version, with minor musical arrangements, shorter lyrics and no Christmas bells at the beginning. It’s usually considered the only commercial track, or at least the only track fit for the public’s ears. It’s the only track that has been broadcast on radio. Still, I don’t understand why, since Cold Heart of the Klondike and The Last Sled could appeal to the public too.

Go Slowly now, sands of time

Now, that was a swell ending. It would have been a good ending for the album, too.
Still, Holopainen decides to follow in Don Rosa’s footsteps till the end. The end of uncle Scrooge, to be specific.
Now, Don Rosa has Scrooge die in 1967 as a supreme homage to Carl Barks, since that is the year of his master’s retirement. Holopainen is satisfied in suggesting his death, by quoting Robert L. Stevenson‘s Requiem:

Here he lies where he long’d to be;
Home is the sailor, home from the sea,
And the hunter home from the hill.

Scrooge, voiced again by Alan Reid, asks the sands of time to be slow just a moment, since he has this last verse to pour. In a Rostandesque act, he fends off death for a moment while he writes his own epitaph and he takes one last moment to remember. Who is he remembering to dance with is just so simple a guess to make.

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Should Old Acquaintance be forgot,
and never thought upon;
The flames of Love extinguished,
and fully past and gone:
Is thy sweet Heart now grown so cold,
that loving Breast of thine;
That thou canst never once reflect
On old long syne.

Robert Burns is the last Scottish poet who gets quoted in this complex, sophisticated, ambitious album. Sophisticated and ambitious just as Don Rosa’s Life and Times was. Still, should all this not be enough for you to buy this album, the Bonus Track digital version comes with a sumptuous booklet which contains not only lyrics, but pictures and original sketches of the original stories by Don Rosa. The Castle of Dismal Downs. Scrooge in the old West. A beautiful Goldie. The last page of The Last Sled to Dawson. And the beautiful cover and back-cover, with Scrooge looking into a full moon that has Goldie’s face painted on it. If this still is not enough… well, take a look at the deluxe edition. Oh, and my birthday is on February 3rd, in case you are wondering.

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Prophetic

“The moment their arms spun freely in our air, they were doomed — for Man has earned his right to hold this planet against all comers, by virtue of occasionally producing someone totally batshit insane.”

Jupiter Ascending

jupiter-ascendingJupiter Ascending è un film strano. È come se a un certo punto i fratelli Wachowski si fossero trovati al bar (perché lo fanno, ne sono sicura) e dopo cinque bicchieri di mojito abbiano tirato fuori questa idea spettacolare per un film di fantascienza sontuoso, colmo di contaminazioni tra lo sci-fi e il fantasy, con tutti quei differenti livelli di consapevolezza della realtà che tanto ci piacevano in Matrix e un latente senso del meraviglioso, quando porta dopo porta viene rivelato chi regge i destini dell’universo.

Ecco.

Jupiter ascending è quel film. O meglio, è ciò che resta di quel film. È come quell’idea, quella donna di Ortolani (perché per Ortolani le idee sono come le donne, a quanto pare), quella che hai sognato e ti sembrava bellissima, e poi rivista al mattino ha i baffi. Quella che avevi avuto in passato e ti sembrava stupenda, ma poi avevi scartato e andandola a riprendere oggi… beh, capisci perché l’avevi scartata. Jupiter ascending è quell’idea. O forse è soltanto ciò che è sopravvissuto nella memoria dei due Wachowski ubriachi. Sopravvive quindi un titolo fighissimo, spiegato poi da una semplice banalità (la protagonista, figlia orfana di un astronomo, si chiama Jupiter). Sopravvive un’estetica sontuosa e spettacolare, raffinatissima, più vicina a quel piccolo capolavoro che era Cloud Atlas rispetto alle atmosfere cyberpunk di Matrix. Sopravvive una regia estremamente sapiente nei meravigliosi inseguimenti e nelle battaglie spaziali.

E poi?

E poi una Mila Kunis bellissima e trasformista (un mistero come riesca contemporaneamente a sembrare una ragazzina e una signora), Sean Bean che (incredibilmente) non muore. Ma anche un Eddie Redmayne che forse ha bruciato tutto il suo talento annuale nei panni di Stephen Hawking senza che gliene sia rimasto nemmeno un briciolo per questo film. O Tuppence Middleton che tenta un numero di trasformismo come Charlize Theron nei panni della regina cattiva ma ha ancora parecchio da correre e Channing Tatum che corre pure troppo. Per aria. Sui pattini.

E poi?

E poi basta. Si rimane con quella stessa domanda che si pone la protagonista.
Ovvero cosa, cosa significa?

R.I.P.

sirchristopherlee

Tomorrowland: the Unbearable Lightness of Optimism

In 1984, while I was busy being born, Milan Kundera wrote about two women, two men and a dog.
To one of them, life was unbearably light.

Well, this movie is unbearable too, in a way that extraordinaly resembles Nesnesitelná lehkost bytí, though hopefully not bearing the same consequences.

Unbearable, I was saying.
And extremely banal too.
So banal that one might think the director completely incognizant of what he’s doing. And he had to be, if this movie is the reason he turned down The Force Awakens as he told Empire this month.
Better to work on something original, he says.
Better to have a blank paper, a sandbox, he says.

Yes, but that was Star Wars, you moron.
For good or ill, it will be remembered, it will stay in our memory forever and maybe we will curse his name, alright, but still, isn’t it better to be loathed than to be forgotten?

This movie, on the other hand, will be probably forgotten in… hey, what movie were we talking about?
Ah, Tomorrowland.
Right.
Actually, you know what? This movie is so bad it might take a while (and lots of vodka) to forget about it.

 And no, before you start it, I am not talking about George Clooney. I like the guy, and he’s probably the only good thing in this corny, bungled, technicolored mess of a movie.

But let’s try to get ourselves organized (and you might as well grab a beer, ’cause it’s going to take me a while).

Have you seen the trailer?
The trailer has everything.
It has pathos, it has rythm, it has good acting, and momentum. It has mystery, with this young girl discovering the fantastic pin that will lead her to catch a glimpse of this future that never was but might have been. It has tension, with that Edisonic count-down towards the end of the world. It has action, with laser beams and bathtubs rocketing into the sky. It has charm, with steampunk mechanical  wonders and a sci-fi city worthy of The Fifth Element. It has Hugh Laurie, dramatically looking into the middle distance, and a girl with wide eyes and a Nasa baseball hat. And it has the Tour Eiffel splitting apart and igniting. What’s there not to like?
Absolutely nothing.
Unfortunately, the movie has nothing else. Nothing apart from what you already saw in the trailer.

Ok, just to be frank it has a ninja robot child. And they were right not to put her in the trailer, as I would have never ever ever gone to see a movie with that thing on screen. Her absolutely shitty acting hasn’t improved since Snow White and the Hunstman. Only, there she was shining in comparison with her older self (yes, I’m talking about Raffey Cassidy vs Kristen Stewart). Here, she doesn’t have that luxury, as she plays never-aging robot-girl Athena, whose programatic reason for living is recruiting new dreamers to involve in the Tomorrowland project.
But she’s not the only reason this movie is totally despicable, and I’ll try not to give in to my personal loathing of children. If I can.

Let’s take it from the start.

This is a movie that doesn’t want you to be worried, because apparently this is not good for your soul. So it starts with a good old flash-back, with both the main characters telling you the story. Don’t you worry, child: they will have adventures and stuff, but nothing bad is going to happen to them, as you saw them exchanging jokes and pranks at the very beginning of the movie. And since the very basis of the movie is that we are running out of future, you can see how that is not working at all. It is as if someone took a very good novel by Ph. K. Dick (you know, the one about people seeing the future and the future getting worst because they are seeing it?), flicked through it, took its general principles and then someone else rushed in, saying that we have to give kids a happy ending. Ok. I know. They already did that. It’s called Minority Report. But I can’t shake the feeling that with Tomorrowland they did it again.
Why is the future bad, then?
Because someone, a while ago, in this far away place where scientists were brought together to imagine a bright new world, invented something that was not supposed to be invented.
Ok.
That sounds like good sci-fi stuff, I know.
But this thing that was never supposed to be invented is not a weapon, is not a disease, is not a Teletubby. It’s a screen that broadcasts the future. And since the future sucks, everybody is getting depressed and the future is getting worst, broadcasting itself. And so on.
The world is on the verge of annihilation, the Doomsday Clock is ticking again.
Which also sounds like good sci-fi stuff. I know.
Just imagine to take this, and squeeze it into ten minutes at the end of movie. Fill the rest of it with people that were apparently trying to kill you but magically they are not anymore. Shake it. Add a pinch of out-of-place comedy just to make the bad guys even less scary in case you just forgot that technically they are not even bad guys. Shake it again. Add some conspiracy which technically is not a conspiracy since apparently everybody knows about it. Add some father-and-daughter stuff, with no consistency nor explanation nor involvement in the main story. Add the robot-ninja-child. Add details and overload them with importance just to toss them away as if they carry no significance (and guess what? They don’t). Add some Star Wars merchandise, since it’s the same franchise after all. Then, take us back to the happy ending. And leave us optimistic, dreaming about pink elephants. The grand message of this 130 minutes pamphlet seems to be something that Walt Disney himself would have liked: the world needs dreamers. Just, old Walt himself had pretty good ideas of what to dream for, he was pretty damn specific. In fact he was so specific that he turned out to be controversial. Of course we can’t afford to be controversial, these days. So let’s be vague. Optimistic, of course, but vague. No actual message here. Just, nobody likes a whiner.

Honestly, I’m relieved that Brad Bird actually did turn Star Wars down.
I wanted to tell you this in your native language.
Thanks, buddy.

Incanti (bio meccanici e non)

Well, I’m no Progmistress and that’s a fact.
I understand very little about music and therefore I’ll be breaking one of Nanni Moretti’s golden rules by talking about Greek Epigraphy (i.e. things I don’t understand). But Heaven knows I’ve been waiting for this and when it finally got here… well, I was just too damn busy with not being unemployed and everything, and I missed it. That should teach me not to be too busy with things, and that’s one thing I will never learn. Anyway, since it seems we have half a day on our hands, let’s just take a deep breath and take our time to review a long awaited album: Ubi Maior‘s third endeavour, Incanti bio meccanici.

Now, everyone knows a friend is still a friend, even if we haven’t been in touch for years, so I might be partial to this.
But still, I haven’t been partial in admitting that I didn’t like Senza Tempo so much. Then again, I understand nothing at all about music and I’m strictly expressing my personal taste when I say that Incanti bio meccanici is a delightful album.
And let me just be clear: I didn’t like Senza Tempo probably because it was too difficoult for my ear, but that doesn’t mean Incanti bio meccanici is simpler, or less ambituous. Still, it speaks to certain cords of mine which are more sensible (or should I say less unsensitive) than others.

First of all, Incanti has epic and literature and magic and playful word tricks just as much as Ubi Maior’s previous works, but in a way is more similar to that glorious unparallel ballad that was Nostos‘ title track. And yet it has been said to be less dark, more symphonic, less traditionally Italian prog. Well, I don’t know about that, but still…

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Teodora, the first track, opens with soft, romantic and malinchonic sounds, in a straight connection with Nostos and speaks about Calvino’s Invisible City. Teodora is one of the hidden cities of Chapter 9, along with Raissa, Marozia, and Berenice. Teodora’s citizens have been at war for centuries and they have triumphed against every invasion: birds were extermined only to leave a prolipheration of snakes, and when snakes were killed the city was overflown by spiders and flies, and insects and thermites. And then there were mice, the most vicious of them all. And this song brings them to light with extraordinary passion around 7:40, probably my favourite passage of this extraordinary suite«Siamo i bastardi, siamo i reietti, siamo i colpevoli, i maledetti, bestie da marchio, catene, tortura ma non abbiamo paura di voi con le vostre divise stirate, occhi di plastica senza pietà adesso ascoltate: noi restiamo qua». You’ll not be able to hurt us, they scream. And then the song comes around, reprises the themes of its second section. It’s no more time to hide in order to survive. Teodora’s citizens were victorious and the city stands tall, with only books to remember the extermined fauna. People are celebrating (15:30). It’s time to rebuild the city to reign and shine again. Or maybe not? Previous species were chased away in an ancient time and they are now awakening, stirring underground, ready to take over the city. «Occhi curiosi nel buio che guardano, occhi rabbiosi di cani che cercano me». They carry an antique name. They are sphynxes and dragons, chimeras and hydras, but Ubi Maior’s song twistes the meaning of the novel (or at least chooses one of many possible intetrpretations): are they invented, and will another enemy be enough to keep the city united?

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Alchemico Fiammingo is significantly less lenghty, but nonetheless equally intense. Violin and guitar, equally scathing, prelude to an unexpected sound. Its literary inspiration is Marguerite Yourcenar‘s L’Œuvre au noir or, more specifically, another city: the city of Bruges, ravaged by religion, war and plagues, where the old Zeno sets his feet. «Ha i capelli più bianchi, gli occhi più stanchi, nella sua mente ha un mondo intero, è uno strano straniero tra la sua gente».

In alchemical treatises, the formula L’Oeuvre au Noir, designates what is said to be the most difficult phase of the alchemist’s process, the separation and dissolution of substance. It is still not clear whether the term applied to daring experiments on matter itself, or whether it was understood to symbolize trials of the mind in discarding all forms of routine and prejudice. Doubtless it signified one or the other meaning alternately, or perhaps both at the same time.

It’s the nigredo, death and decomposition from which alchemy believes to be able to create life. The city of Bruges in Yourcenar’s novel is this: death, stirring. The main character seeks to elevate himself in an alchemic process but ultimately fails, after studying too much, learning too much, and too much for nothing. He is condemned, and Mario Moi takes the role of his accuser. «Sotto terra, in mezzo agli angeli, o fra i diavoli, su nel cielo. Cos’è giusto e cos’è vero è difficile. Voi sapete che cosa dire, ve l’ho detto che cosa fare: condannare con un pollice è più semplice. Siete forti, siete tanti, siete tutti qui davanti. Decidere è un attimo, ormai». Instrumentally extraordinary, with an unparallel violin.

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I cancelli del tempo talks about a hidden city, a magic parallel world where an immortal beloved awaits. «Se ho calcolato giusto, tra poco mi apparirà: una città intera, non sembra vera e invece guarda, eccola qua. Ieri non c’era. Domani non ci sarà». It’s probably the most depictive song of the whole album, with a fresh sound and Mario’s voice dancing a clear path above guitar, keyboard and drums. Day by day, the city is described as a place without time, where eternal guests are living in joyous stillness, and it is said to be a homage to the legendary Kitezh, a Russian legend probably more famous because of Pavel Ivanovich Melnikov‘s In the Forests and Rimsky-Korsakov’s opera. And if you haven’t heard it yet, I highly recommend you at least listen to the Battle of Kerzhenets.

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Lo specchio di Mogano closes the disc and, being another 20 minutes suite like Teodora, gives symmetry to this musical journey.
Another city awaits us: it’s Mahagonny of Bertold Brecht‘s Rise and Fall of the City of Mahagonny. and the musical opening is literally enchanting, probably the best minute of the whole album.
Mahagonny is a city of gold, where there are no prisons and work is unnecessary: the singer puts on the hat of Jimmy Mahoney, lumberjack longing for this city of wonders. «Venite tutti quanti. Venite tutti. Venite ad assaggiare donne e banchetti. È davvero la città dell’oro: cosa aspettate ancora? Cosa aspettate? È qui per voi». But of course Mahagonny is a scam: it’s a city where love is for sale, just as liquors, and everything is legal as long as you pay. Even a hurricane can’t hurt her. Until the mahogany mask falls, the entrapped Jimmy Mahoney sings for the sun not to come up, ending his last night. The world is always beautiful, if seen through a wooden mirror, but it just cannot last. It was beautiful to pretend to sail on a pool table. It was beautiful not to have money: just love, just true friends, just weed to smoke. But to be broke in Mahagonny is a crime, possibly the worts crime of all. Still, the song doesn’t tell us that and fades away, with jazz flavours that Kurt Weill would have appreciated.
And so have I.

note: the digital version of this album has no booklet and I couldn’t find official lyrics anywhere online, therefore I sincerely apologize for any misheard or misquoted lyrics. Still, nothing is more hilarious than a misheard lyric, so I’m hoping you’ll enjoy anyway.

If you don’t know Ubi Maior, please take your time to sit back and listen. Nevermind the reading.
Incanti bio meccanici is their third album. Their second work, Senza Tempo, was inspired by Neil Gaiman‘s Sandman. If your ears are unrefined and filled with travertine dust as much as mine, I recommend you at least listen to Desiderio (per cosa si uccide) and Distruzione (il mercenario). And then of course you should support them.

expo 2015: il BIM non si mangia, però…

Ebbene me ne stavo lì,
mi facevo i fatti miei,
cercando un sistema semplice per collegare tra loro alcuni parametri di famiglie Revit
ricorrendo a qualche reminiscenza di trigonometria.
Non stavo minimamente badando all’Expo,
ma apparentamente l’Expo stava pensando a me.

In piena Serendipity, su una rivista specializzata (in tutt’altro) ho trovato un interessante articolo di Emilio Antoniol che intervista  Daniele Aiola circa le straordinarie avventure di un facciatista alle prese con le vetrate di Palazzo Italia, il padiglione nazionale all’expo 2015 progettato da Nemesi & Partners e portato in esecutivo da Tekla (strutture) e  AiolaDesign srl, appunto, per le facciate. Si parla di BIM, di come gli strumenti a disposizione siano adatti e di come non lo siano, e di tanti altri ghiotti argomenti.
Così mi è presa la curiosità.
Quali delle strutture presenti nella nostra esposizione universale sono state realizzate facendo ricorso al Building Information Modeling, perché e con quali risultati?
Ecco il primo esito di una rapidissima e sommaria indagine.

Il colpo d'occhio: padiglion expo e BIM

Un primo colpo d’occhio: padiglioni expo e BIM

Palazzo Italia: la dura vita del facciatista

Quando si parla del nostro padiglione, l’elemento più pubblicato è probabilmente il cemento biodinamico della facciata, riguardo al quale Italcementi sta portando avanti una campagna di comunicazione a dir poco estensiva. Ma Palazzo Italia non è solo quell’involucro fibroso che lo avvolge come il bozzolo di una farfalla: è anche la vetrata dietro a quella pelle, e una straordinaria vela in vetro entrambi progettati dalla AiolaDesign, intervistata nell’articolo che ha dato il via alla mia curiosità. Nell’articolo si parla estensivamente di progettazione 3d, con particolari focus tecnici sul punto di origine del modello, oltre che di interoperabilità con Tekla Structures che ha ingegnerizzato (si tratta sempre di BIM, naturalmente) le strutture. Si parla poco di dati, tuttavia, lasciando una certa curiosità di comprendere meglio come si sia articolato il workflow. Software utilizzati: DraftSight (bozze bidimensionali per i profilati strutturali), FP Pro Facade (ordinativo dei profilati estrusi e dei relativi accessori), SolidWorks (disegni tridimensionali dei singoli componenti). Leggere per credere.

 

Emirati Arabi Uniti: dune in Grasshopper

L’uso del BIM per questo padiglione è stato presentato come caso studio all’incontro B[uild]smart lo scorso MADE expo, da Omer Mert (assistente project manager per Rimond) e dalla professoressa Ingrid Paoletti del Politecnico di Milano, quindi non risulterà cosa nuova a chi era presente (personalmente ero impegnata a terminare il nuovo museo Kartell ma questa è un’altra storia).
Il progetto del padiglione è di  Foster +Partners, e si articola in un percorso circolare che attraversa diversi ambienti dalle pareti ondulate, per arrivare al blocco centrale cilindrico dove è proiettato un cortometraggio. Rimond ha sviluppato in BIM il modello strutturale e impiantistico, e si è occupata della hard clash detection per entrambe le discipline (per chi si fosse già dimenticato che cosa significa, cercavo di spiegarlo qui). Le rampe sono state modellate in Grasshopper (il sistema di modellazione algoritmica di Rhino). La presentazione, con qualche schermata dei modelli analitici, è disponibile qui.


Messico: la pannocchia gigante

Progettato da Francisco Lopez Guerra Almada, il padiglione riprende le forme delle foglie attorno a una pannocchia di mais, prodotto distintivo del Paese e che secondo la mitologia Maya sarebbe la sostanza con cui gli dei plasmarono l’uomo. L’acqua, il secondo elemento vitale che servì agli dei per dar forma all’uomo, è elemento centrale all’interno della struttura, in un sistema di anelli e rampe che rimanda al raffinatissimo sistema ideato dal re filosofo Nezahualcoyotl. Per informazioni sulla progettazione del padiglione e sui suoi significati, rimando al bellissimo articolo comparso su Domus.
Lo studio Project Line ha realizzato i disegni di carpenteria del padiglione avvalendosi di Tekla Structures, con quello stesso gruppo Nussli che ha appaltato a Progetto CMR la progettazione esecutiva del padiglione a vele triangolari rappresentante il Kuwait. Franco Bernardi di Project Line parlerà di questo padiglione il prossimo giovedì 21 maggio, alla giornata organizzata da Harpaceas per gli utilizzatori di Tekla.

 

Federazione Russia: la rampa di lancio

È di Sergei Tchoban, a capo dello studio SPEECH, il progetto di un padiglione russo che ci parla principalmente di innovazione scientifica e che per questo sceglie una forma strutturalmente ambiziosa, protesa verso il cielo, combinata a giardini pensili e piattaforme verdi. Ma sono i londinesi di Engenuiti, con ufficio distaccato a Milano, a occuparsi della progettazione strutturale o, come la chiamano loro, della progettazione in BIM di geometrie complesse.
I nervi strutturali che sorreggono l’ambiziosa piattaforma sono in legno lamellare, con interasse di 6m l’una dall’altra, e in legno lamellare sono anche i pannelli di tamponamento superiore e laterale che raggiungono dimensioni fino a 3 x 18 m. Più efficiente, più economica, più leggera, più rapida da costruire rispetto alla tradizionale carpenteria metallica. Vedere per credere.

 

Ungheria: l’arca di Noè

Il padiglione si rifà agli elementi tipici del paesaggio ungherese e si compone di due tamburi laterali, ispirati al mondo sciamanico, sulle cui teste è raffigurato un albero della vita da cui scorre l’acqua. I due tamburi racchiudono una gabbia ispirata alla chiglia di una nave, l’arca di Noè appunto come simbolo di ciò che preserva la vita. Gran parte della struttura è realizzata in legno lamellare, cellulosa e altri materiali riciclabili, e al termine dell’esposizione sarà riportato in Ungheria, dove ospiterà un centro di ricerca.
Costituisce il terzo progetto expo vinto dall’impresa Vitali di  Cisano Bergamasco, dopo l’expo Gate (compreso dello svincolo con spettacolare ponte progettati in Revit dallo studio Antonio Citterio, Patricia Viel & Partners) e il padiglione della Kip International School (vedi più avanti). Come gli altri due progetti, anche il padiglione ungherese è stato realizzato in BIM. Ne aveva dato l’annuncio l’inserto bergamasco del Corriere, in settembre.

Vietnam: il villaggio degli ewok

Splendide strutture intrecciate simili ad alberi, sulle quali a loro volta cresono altri alberi: è questo il suggestivo e lussureggiante scenario che costituisce il padiglione del Vietnam, riflesso da uno specchio d’acqua su cui poggia l’intera struttura.
Ne ha parlato brevemente lo scorso 26 marzo l’ing. Aldo Bottini di BMS progetti, che ha partecipato anche alla progettazione di strutture e impianti per il Padiglione Italia (presumibilmente insieme allo studio Capè, che ne parlerà sempre alla giornata di Harpaceas) nonché alla progettazione esecutiva del padiglione JooMoo. Gli atti della sua conferenza, all’interno della BIM Conference organizzata da One Team, sono scaricabili dal loro sito.
La realizzazione del padiglione è stata affidata alla Proger, già coinvolta nel padiglione Italia fin dalla sua progettazione.

 

Cascina Triulzia: progettazione impiantistica e BHIMM

60 Organizzazioni della Società Civile vanno a comporre la Fondazione Triulza, ente fondato appositamente per la gestione di questo spazio. E della relazione tra questo progetto e il BIM ci ha parlato Silvia Mastrolembo Ventura lo scorso 16 aprile, all’ordine degli ingegneri di Lecco (qui è possibile scaricare le slide del suo intervento). In particolare, si tratta di progettazione impiantistica e di intervento su una struttura esistente e, quindi, di Built Heritage Information Modelling and Management (BHIMM, per gli amanti degli acronimi). Questa particolare branca del BIM, molto appetibile per l’Italia, è attualmente oggetto di un Progetto di Ricerca di Interesse Nazionale (PRIN, sempre per gli amanti degli acronimi) che coinvolge il Politecnico di Milano, il Politecnico di Torino, l’ITC di Bari, l’Università di Brescia (da cui proviene l’ing. Mastrolembo), la Sapienza di Roma e l’Università di Genova. Il progetto non è iniziativa nuova e nasce da un concorso del 2011. Per gli interessati, consiglio l’articolo apparso a suo tempo su inGenio.

 

Kip International School: le torri del villaggio globale

Sono sempre Rimond e Vitali, cfr. padiglione ungherese, a occuparsi di questo padiglione che rappresenta la scuola fondata nel 2011 da Edgar Morin e sostenuta dall’ONU. La struttura si ispira al concetto di villaggio mondiale ed è composta da un percorso attraverso il giardino dell’ONU, che raggiunge infine una piazza su cui si affacciano quattro edifici ispirati alle costruzioni in terra dei villaggi rurali africani.
I render e le descrizioni parlano di materiali a chilometro zero, senza entrare nei dettagli, ma suggerisco di guardare qualcuna delle fotografie scattate dai visitatori: parlano di uno spazio estremamente suggestivo, di rivestimenti estremamente particolari per le gradevoli forme delle quattro torri, oltre che del tanto celebrato spazio 4d in cui sarebbe possibile immergersi in una simulazione senza l’ausilio dei tradizionali occhiali.

 

New Holland Agriculture: il prisma verde (o quasi)

La CNH Industrial, Global Partner di Expo, ha realizzato la struttura del suo padiglione con elementi in carpenteria metallica progettati in BIM e assemblati in un sistema costruttivo completamente a secco, privo di fondazioni. Chiamato New Holland Agriculture, il suo padiglione espone macchinari agricoli e ha la forma di un prisma triangolare sdraiato: le due basi e il lato lungo sfoggiano la più classica delle facciate continue, completamente vetrata, mentre il retro è una falda inclinata verde che raggiunge il suolo ed è percorribile a piedi. Le immagini presenti sul sito di expo mostrano un albero della vita sia sulle facce vetrate che sul prato inclinato, ma differiscono in maniera abbastanza sensibile dalle fotografie che si trovano della struttura completata. Il progetto è di Carlo Ratti, e si concentra sull’agricoltura sostenibile, sulla dimostrazione di macchinari a zero emissione e su un complesso sistema di realtà virtuale che, all’interno del prisma, espone non solo le nuove tecnologie CNH ma anche la costruzione del padiglione stesso.

JooMoo: chi era costui?All’interno dell’area Corporate, campeggia il padiglione chiamato “Stupefacente Asia”, ingegnerizzato in BIM da quella stessa BMS dei padiglioni Vietnam e Italia, e con quest’ultimo condivide anche il progettista. Si tratta di una struttura con taglio prettamente high-tech, che fa larghissimo uso di superfici riflettenti e proiettate, di monitor e superfici in stretta relazione con il tema dell’acqua, per esporre le arti e le culture asiatiche in tutta la loro complessità e varietà. Il gruppo committente è cinese e si occupa di cultura, real estate, internet, energia e scuole. Tutto, insomma. Suo partner locale è Alessandro Rosso, operator primo rivenditore ufficiale dei biglietti expo. Per loro, Nemesi progetta un oggetto ben illustrato in questo articolo di Abitare, e la sua struttura in acciaio è tutt’ora osservabile in tutto il suo splendore, almeno stando a Wired, perché il padiglione non sarebbe finito. Se però non avete voglia di andare fino a Rho per verificare l’informazione, potete accontentarvi delle belle immagini delle strutture, progettate con Graitec Advanced Steel e pubblicate sul sito di FM.B.
Ma si parla di BIM anche per le gradinate dell’Open Air Theatre San Carlo, realizzate sempre con Tekla Structures da Structurama Srl, per la nube rossa di Vanke e per le nervature del padiglione zero. Insomma, insieme al resto dei mille stimoli culturali, sembra che Expo ci fornirà casi-studio sul BIM per parecchio tempo. Rimbocchiamoci le maniche.

Let’s do the Time Warp (again)

Sono passati tanti anni da quando il Rocky Horror Show è stato a Milano l’ultima volta. Sono passati talmente tanti anni che al Teatro Nazionale non era ancora passato Piero Lissoni e la grande sala aveva ancora le tradizionali poltrone rosse.
Per l’esattezza, sono passati dieci anni. Anche se la cosa fa un po’ impressione.
Allora il ruolo di Frank N Furter era interpretato da uno straordinario, inimmaginabile Bob Simon, che riuscì a trasformare I’m going home in un autentico trionfo, seguito da buoni e meritatissimi dieci minuti di ininterrotti applausi. Il narratore era estremamente glam e deliziosamente magnetico nel coinvolgere il pubblico con il suo squisito accento. Rocky era… beh, come dire… diciamo che era molto molto abbronzato, ecco.
Quest’anno, il Rocky Horror torna con un cast diverso e si insedia al Teatro della Luna, per rimanerci fino al 20 maggio. E sembrava semplicemente appropriato che, dovendo festeggiare anche i nostri dieci anni, si andasse proprio a vedere una storia romantica come questa.

Lo spettacolo inizia ancora prima di iniziare, con la proiezione di spezzoni vintage tratti da quei b-movie di culto cui fa riferimento il primissimo brano del musical, ovvero Science Fiction, Double Feature. Troviamo quindi Ultimatum alla Terra, L’uomo invisibile, quel King Kong con Fay Wray che verrà citato dalle stesse scenografie nel musical e l’improbabilissimo Tarantula, con una pletora di mostri e alieni, dame in pericolo e intrepidi eroi. Poi sullo schermo appare il pianeta terra, e presto diventa sfondo per il primo numero musicale.
Uno spettacolo quindi che non si affida del tutto alle scenografie tradizionali ma fa uso di alcune quinte multimediali, sia per le prime scene che per il viaggio d’arrivo al castello. Ma il palco è forse troppo piccolo, i microfoni un po’ tradiscono (e un po’ a tradire è la voce). Fatto sta che personalmente la rappresentazione non mi conquista, almeno fino a quando non si illumina un omone pallido e allampanato, in cima a una scala, con occhialetti alla John Lennon e una certa somiglianza con il mio amico Glorfindel. Stuart Matthew Price è un Riff Raff straordinario, epico, che irrompe in There’s a Light con un vocalizzo inaspettato e da brividi (vedere per credere qui, qui o qui) e ci accompagna, in un crescendo costante, attraverso il Time Warp fino a Sweet Transvestite. E il problema di Rob Fowler (Frank) non è tanto quello di essere biondo – ci mancherebbe, non siamo così puristi – quanto quello di entrare in scena dopo una performance del genere. Un Frank sensuale, certo, e irresistibile nel rispondere da diva offesa alle tradizionali interazioni del pubblico, ma un Frank che manca della giusta potenza vocale, specie se confrontato con Bob Simon (e come dimenticare la sua gag dello svenimento, complice il tecnico delle luci?).
Fowler ci regala comunque un delizioso Whatever happened to Fay Wray durante il Floor Show, che lo vede indossare l’abito bianco della diva, e apparire seduto su una gigantesca mano di King Kong con alle spalle il cartonato di New York. E l’intero Floor Show, con piume di struzzo e un tripudio di sipari, giunge come una sorpresa al termine di una serata parzialmente sottotono: Columbia tira fuori la voce, Janet tira fuori la grinta, il corpo di ballo dà fondo alle munizioni, il vero aspetto dei due servitori è a dir poco esilarante. E io rimango con la sensazione di essere incappata in una serata parzialmente sfortunata, per un cast che non ha dato il suo meglio. Shall we try that Time Warp again?

Clash detection – i tre livelli del BIM

Dato che recentemente ci siamo scontrati con questo problema per uno studio di architettura mio cliente, riporto i prospetti che ci hanno aiutato a chiarirci le idee, nella speranza che siano di aiuto anche a qualcun altro.

Quando si parla di clash detection in BIM, vengono individuati tre categorie di clash (da non confondere con i livelli: vedi più avanti). Se la prima categoria è ovvia, le altre due possono risultare un po’ meno intuitive.

 

Hard, Clearance e Workflow: i tre tipi di clash nel BIM

Hard, Clearance e Workflow: i tre tipi di clash nel BIM

Hard Clash, ovvero impiantisti allo stato brado. È il clash più comune, e si verifica quando due oggetti sono fisicamente in conflitto. Un condotto dell’aria condizionata che attraversa una trave appartiene a questo tipo di clash. Generalmente si richiede che questi clash vengano sempre risolti nel modello, sin dalla fase di Concept, e generalmente essi vengono risolti spostando uno dei due elementi. Può anche accadere che il conflitto venga risolto sostituendo uno degli elementi con un elemento che consenta di risolvere il conflitto in cantiere. In questo caso, si può parlare di Hard Manageable Clash, ovvero un conflitto noto che verrà risolto in fase di realizzazione. Questa risoluzione, a seconda del protocollo cui si aderisce, può non essere accettata. Il tipico esempio, è la sostituzione di un condotto dell’aria condizionata con un manicotto flessibile. In questo caso è comunque necessaria un’alterazione del modello (la sostituzione del componente) ed è consigliabile mantenere viva la segnalazione apponendo un qualche tipo di mark.

Il classico esempio di Hard Clash: quando gli impiantisti non si parlano (un portacavi attraversa un condotto dell’aria condizionata)

 Si parla di Clearance Clash (o Soft Clash), quando due oggetti non si compenetrano fisicamente, ma la loro prossimità è tale da renderne impossibili o eccessivamente difficoltosi il montaggio e/o la manutenzione. Può trattarsi ad esempio di una gola per illuminazione a controsoffitto troppo stretta, che non consente di montare o sostituire le lampade, di un vetro che non è possibile pulire, di un profilo che non è possibile avvitare. Generalmente si richiede che questi conflitti vengano risolti in fase di Schematic o, al più tardi, di Design Development e naturalmente si tratta di conflitti estremamente difficili da individuare. Per quasi tutte le discipline impiantistiche, è richiesto che gli spazi di tolleranza vengano modellati. Il come rimane problema del BIM coordinator.

 

Un tipico esempio di Clearance Check: l’architetto non ha senso pratico (una trave impedisce di pulire la parte superiore del vetro)

La quarta e più spinosa categoria di clash è la 4d o Workflow Clash. È un conflitto di tipo temporale e si verifica quando due oggetti dell’edificio sono progettati in modo da collidere o sovrapporsi in fase di montaggio. La sua risoluzione potrebbe essere responsabilità del progettista, ma più spesso è responsabilità del direttore lavori, e coinvolge informazioni che non sono presenti all’interno del modello, come i percorsi di ingresso delle merci o i luoghi di deposito dei materiali. Difficilmente è richiesto che questi conflitti vengano risolti prima della gara d’appalto.

Una classica Time Collision: l’interior designer ha manie di grandezza
(il tavolo deve per forza essere portato nella stanza prima del montaggio della vetrata)

 A queste categorie di clash si sovrappone trasversalmente il concetto di Collision Level, che gestisce quando e come i diversi tipi di clash devono essere risolti dalle diverse discipline. Il livello 1 è quello con massima criticità e deve essere risolto immediatamente all’interno del modello. Il livello 2 ha alta criticità ma può essere risolto in fase di riunione di coordinamento. Il livello 3 comprende collisioni importanti ma in continuo divenire ed è quindi accettabile che vengano risolte solo in chiusura di una fase. Bisogna ricordare che queste categorie sono applicate a un BIM collaborativo, una situazione in cui il modello viene condiviso regolarmente tra le varie discipline, e non semplicemente consegnato in chiusura di fase.

La tabella che segue è solo un esempio di come i due diversi concetti si possono intersecare. A seconda del tipo di progetto, il Level 1 può coinvolgere le sole discipline impiantistiche, mentre il Level 2 generalmente coinvolge i componenti d’arredo, fissi o mobili. Curiosamente (per non usare altri avverbi), mi è recentemente capitato di vedere che in alcuni paesi gli spazi di manovrabilità per i disabili vengono considerati Level 3.

Come segnalare i clash e vivere felici
Premesso che siamo in un Paese libero e non normato, quando a BIM, ciascuno è libero di segnalare i clash come meglio crede, anche lanciandosi la pasta della pizza in perfetto stile Gassman e Tognazzi nei Nuovi Mostri. Tuttavia, è sempre preferibile che il metodo di segnalazione sia coordinato e condiviso tra le varie discipline. Sotto il tab Collaborate, il “nostro” Revit ci fornisce lo strumento Interference Check, che consente di selezionare a coppie le categorie (in modo non molto diverso dalle due tabelle di esempio) e genera un report attraverso il quale è possibile selezionare i vari elementi che generano interferenza e agire sugli stessi. Il report è anche esportabile, per documentazione o segnalazione, in un (s)comodissimo formato html. Il che, naturalmente, è molto poco BIM.
Molti scelgono di utilizzare le nuvole di revisione, scambiandosi un modello che contiene delle cosiddette viste di coordinamento. Nonostante questo sia un metodo leggermente più BIM del primo (e non ci vuole molto a essere più BIM di un file html esterno al modello), è un metodo che personalmente trovo piuttosto “analogico”, perché non si lega agli oggetti del modello ma rimane relativo alla vista, con tutte gli imprevisti e le possibilità di incomprensione del caso.
Strumenti specifici di coordinamento come Solibri Model Checker o  Tekla BIMsight consentono di agganciare la segnalazione del clash agli specifici oggetti coinvolti e credo che questa dovrebbe essere la strada da seguire anche nel caso software come questi non facciano parte del workflow previsto. Un possibile workaround per consentire all’informazione del clash di rimanere agganciata all’oggetto anche all’interno del “nostro” Revit potrebbe essere quella di creare un parametro testuale condiviso “Clash Warning”, applicato a tutti gli oggetti del modello. In questo modo, non solo potrebbe essere possibile creare delle schedule che visualizzino tutti i clash segnalati, ma per i più tradizionalisti sarebbe comunque possibile mettere in tavola le informazioni, taggando gli elementi con un’etichetta che vada a pescare proprio il parametro “Clash Warning”. Con un semplice filtro, sarà anche possibile evidenziare tutti gli elementi con un commento al campo “Clash Warning”, per un colpo d’occhio che catturi l’attenzione anche dell’impiantista più pigro.
Ma, naturalmente, anche lanciarsi la pasta della pizza può rivelarsi efficace.